近年抄襲爭議層出不窮，無論華語樂壇、網絡紅曲，乃至偶像團體都難以倖免。每當新歌上架、賺取流量之時，網上總有眼尖聽眾細究旋律結構，鋪天蓋地質疑「似到爆」、「直接搬字過紙」；各路音樂人、版權機構、粉絲團體你來我往，掀起激烈論戰。為何抄歌如此猖獗？這現象如何影響音樂生態？當中還有甚麼灰色地帶、無解困局？讓我們由最近的幾宗知名案例解構「抄襲」浪潮，從現象到本質，再談動盪下的出路與抉擇。
流量為王下的「抄襲現象」
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樂壇抄襲並非新鮮事，卻因短影音平台、網絡傳播速度加快而席捲大眾視野。《搀扶》疑似照搬羅文《小李飛刀》前奏、《大風吹》被指副歌與徐小鳳的《風的季節》神似，網紅神曲《一路生花》甚至原曲直接「借用」原旋律。據雲集各地的「抄襲曲目清單」和平台數據，2023年新註冊歌曲中有近一半出現重複樂段。音樂版權爭議也從單一事件延燒到產業生態，部分工作室甚至「專業化」「複製經典」，分解八九十年代金曲和弦、旋律，然後重混上架。表面上是「靈感循環」、「文化致敬」，其實是明目張膽的速食盈利模式。
偶像團體與名人抄歌風波
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不獨內地短視頻平台成「抄襲溫床」，港台樂壇亦頻遭波及。MIRROR成員Jeremy新作《Tie Me Now》爆出前奏疑似抄襲韓國Stray Kids《Red Lights》，隊友陳卓賢坦言自己過去亦因編曲與原曲雷同而被質疑。有趣的是，不少音樂人將焦點放於「編曲撞聲」、「製作部份巧合」，但網民與樂評人則以「像就似」、「糉就係粽」一語道破。另一邊廂，COLLAR女團亦因歌曲《Gotta GO!》涉嫌抄襲，引發電音製作人、音樂總監等圈內意見領袖公開討論，創作人則以「曲有相似不出奇」作回應。過往Mr.樂隊、馬健濤等高曝光歌手同樣捲入抄歌討論，回應方式由否認、冷處理到「雞蛋裡挑骨頭」態度皆有，反映現今音樂界面對輿論壓力的多元策略。
觀眾審美疲勞與原創危機
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隨著網絡神曲、偶像新作一再「撞臉」，部分聽眾開始產生審美疲勞，批評「無歌可寫」、「旋律都寫完了」。資深樂迷直言：「前奏聽得懂，副歌像複製貼上」。事實上，據中國音樂著作權協會數據，原創音樂人近三年收入下滑近三成，反觀改編翻唱收入卻暴增。這種偏離原創、靠重新包裝經典或「拿來主義」的市場導向，不僅拉低樂壇水準，更侵蝕原創者生存空間。另一方面，當批評聲音與冷嘲熱諷佔據輿論主場，真正有心創新的新人、90後或00後文化工作者反而更難被鼓勵、扶持，導致惡性循環：更少原創，更多翻版，觀眾期待愈加低迷。
「抄」與「借」的模糊灰帶
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音樂是結構性極高的藝術，大衆耳熟能詳的和弦進行、旋律片段，理論上難以完全避免重複。加上現代音樂製作強調「catchy」、「流行」公式，技術層面上的撞聲可謂家常便飯。這種現象在電子音樂、hip hop圈子尤甚，取樣（sampling）、重錄（remake）、致敬（tribute）本屬創作一環。一些作曲家則主張「以經典為藍本重混」，寄望能產生新意。爭議之所以難解，核心在於：什麼算「引用」？什麼界線算「抄襲」？法律上牽涉音律結構、旋律片長、作品完整性等客觀指標，但大衆判斷多倚賴「印象分」。在網絡輿論下，曲風、歌詞稍有「似樣」，就可能被放大批判。
音樂人生存策略與未來路向
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音樂人、唱片公司、社交平台三方各持考量。年輕創作者往往面對「求快、求紅」壓力，造就拿來主義；而平台需維持流量，鼓勵短時高產出，加速類似作品。唱片公司則擔心版權訴訟，伺機切割或冷處理。對觀眾而言，既希望新歌「過耳不忘」，又愈發警覺旋律「借用」，形成人氣與口碑的巨大鴻溝。未來，要破解「抄襲怪圈」，需建立更細致、專業的版權鑑定，明確區分合理取樣與侵權。行業有責任以公開透明的制度尊重創作人，同時推動多元風格交流。聽眾亦可嘗試從批判走向欣賞，為真正有才華、有誠意的原創音樂人給予掌聲。
小結：亂世下的抉擇與自省
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回首這一波波抄歌浪潮，由網紅短曲到一線偶像團體，爭議背後是音樂文化的集體焦慮也是新舊碰撞的必然。是指責、戲謔更容易？還是應驅使產業回歸本質、擁抱真正的創新與靈感？只有持續關注、理性討論、技術制度共同進步，音樂才有機會跳出「復刻複製」的旋渦，再次唱出獨屬時代的聲音。
